A conversation between Laurent Ajina, Elsy Lahner (Curator of Contemporary Art, Albertina) and Alexander Giese (Kunsthandel Giese and Schweiger).
The exhibition is taking place from 18 October 2021 to 6 November 2021 at Kunsthandel Giese und Schweiger (Akademiestraße 1A, 1010 Wien) in collaboration with Galerie Crone.
Elsy Lahner: Tennis is a sport and a passion for you, but even though I don’t play it, I also have a connection to it. I think it’s the whole aesthetics of tennis—I have known the ball since I was a kid and it has always fascinated me how it feels, how it sounds, and how it bounces on the floor. I think there is something special about the whole experience: how people are dressed, how the court looks like, et cetera. Is that of influence in your work? Is the beauty of tennis perhaps also the reason why you started to play?
Laurent Ajina: Well, I started playing tennis against a wall for almost three years. I grew up in a district of Paris without tennis clubs and played exclusively against a huge wall, from about five to nine, non- stop. This routine of playing against myself may not have been the best start to become a good fighter on the court as now I don’t just play to win. It’s true what you said about the clothes and sounds and colours, but there is also this other side to tennis: it’s a very competitive field of expression. It’s almost like you were a gladiator in an arena who has to win. But as I said, I started playing by myself and just heard the sound of the ball bouncing off the wall, which instilled a certain relationship to architecture, space, geometry, and rhythm in me. Today, I have a screen in my studio which streams tennis matches without end. I like to have the screen on. Following the matches is like following the change of seasons: there are differently coloured surfaces, from in- digo blue to red and bright green, which works as a kind of colour installation for me. And even though I don’t watch the match, it has a really strong presence in terms of colours and sounds.
Alexander Giese: It should be mentioned that Laurent plays tennis very aesthetically, his backhand is just beautiful. So when we play together, I rather watch him playing the backhand than take care of my own game.
LA: It’s a kind of mirror: you can see your opponent and you’re connected through a certain symmetry of movement. But it’s a distorted mirror, you’re never in direct contact with your opponent; instead, you have to feel what they are doing. Spinning this small yellow ball that’s like the sun and thereby creating your own space has also a kind of cosmological dimension. I play a lot, like Alexander. We play a lot, we train a lot, it’s part of our balance, it’s part of our lives.
AG: Tennis is a Yin and the Yang is art for both of us.
EL: The tennis ball itself is like a Yin and Yang, the two sides interlocking as they do in the symbol but in a three-dimensional way.
AG: The beginning of our friendship fifteen years ago was strongly rooted in tennis. We played in a small club in Burgenland, and I was very impressed. I think Laurent was one of my first international opponents. And I instantly felt the enthusiasm we shared.
LA: I remember one New Year’s Eve we spent at your house. You told me that you once attended a tennis camp at Bollettieri Tennis Academy in Florida, which offers the best training worldwide. I had also been there. We discovered that we had this extraordinary link. I had been dreaming about this academy for many years, and my father offered me to go there after I had finished school.
AG: Indeed, but Bollettieri failed to make professional tennis players out of us, which allowed us to go into a different field: the arts, where we also connect. The fact that we share this passion as well is what made it easy for the two of us from the beginning.
EL: How did the idea of a cooperative project come up?
AG: I don’t know when that happened. We now have this new space at the gallery with larger walls, and I think at some point we said, ‘Okay, let’s try and do something together.’ It was quite clear that it would be connected to tennis. We scheduled our exhibition for the days from mid-October to the beginning of November, when the Erste Bank Open takes place in the Stadthalle. Since Laurent studied architecture and the Stadthalle is an interesting architectural site in Vienna, it occurred to us that our exhibition should be connected to this tournament. So there are four paintings related to the Grand Slam tournaments and one to the Erste Bank Open. That was the concept we developed in our first talk, and we stuck to it. For me, it’s a dream come true to be able to connect those two great passions of my life and to make tennis happen at the place where I work.
LA: I realised in recent years that tennis is linked to my art. This has not always been evident to me. When problems with my legs prevented me from playing, I missed the court and rented a tennis court just to sit and read there, to be there.
EL: Really? That’s beautiful.
LA: Yes, sometimes I come to where Alexander trains. I don’t wear tennis clothes, I just come to sit and watch.
EL: I can connect to that. When I was a child, my father had a restaurant adjacent to a tennis hall, and I loved to sit there and watch and listen to people play. I never played myself, but I understand why you would love to just sit there.
LA: There is a mystery about the size and the dimensions of a tennis court. For me, a football field is too big, while a tennis court is just perfect. It’s like a room, like a place where you could live, it has the proportions of an apartment or a house. Although I have the TV on with all the matches at my studio, I missed the tennis court in its physicality. This is why I rented a court to walk around. I got really close to the lines and looked at every detail that you don’t realize when you play. I came to see the court as a geometrical plan.
AG: I can also relate to that feeling. After you have played and the court is messed up, you clean it with a net and make sure the lines are shiny again. For some people, that’s just something that has to be done, but I enjoy taking care of the court and making it look nice again.
LA: You’re right, a tennis court is the essence of a zen garden: a zen garden is made of stones, there is no vegetation, and you clean it with this wooden tool. It’s a very peculiar introspective moment after each match to move the sand and see the lines clean again—we are gardening in a way.
EL: How are your works related to tennis? What is the concept behind them?
LA: There is a close connection between breathing, freedom, and movement when I work. Drawing a one-metre-long line on a wall on a five-meter-high ladder, I get the same feeling as when I play a backhand on the court. My paintings show square or rectangular forms linked through per- pendicular and parallel lines. For me, the shapes are also connected to devices and to how we constantly interact with all these screens on mobile phones et cetera. In my big chaos of lines, I like to open these windows that are focal points for the eyes and allow me to introduce emotions through colour. There are infinite possibilities of interacting with colours, and tennis courts may be coloured in twenty different ways. The architecture of stadiums also varies. Every tennis stadium is a piece of art—the Australian Open court is like a James Turrell installation when the rooftop is open to an evening sky.
EL: But would someone who is into tennis be able to tell the difference between one tournament and the other just by looking at your paintings without seeing the titles? Would they just recognise the colours?
LA: I think aficionados would. There are four paintings, and each of them is special. The Australian Open site resembles a blue pool or a lagoon. I think it’s the most recent stadium. It was built as a piece of art, with all its neon signs and advertising. After that, you have the French Open at the Stade Roland Garros, where you’re back to earth with the red-coloured sand and all its fragmented pieces. Then you switch to Wimbledon, which is an English garden with no advertising and only white clothes. It’s minimal to the highest degree; it’s beautiful and has a very special feeling for every player, I think. Finally, you have the US Open: there’s a lot of noise, everybody is talking, you smell hamburgers, planes are crossing above, it’s very urban—just like New York, which was the birthplace of hip hop and street art, and you can feel that on the court.
AG: I think if somebody who is a little into tennis sees those four paintings in random order and would be asked to put them in the right order of how the Grand Slams are played during the year, they would be able to do it correctly. You don’t see it, because it doesn’t say, but you feel it.
EL: Yes, it makes total sense how you just explained it.
LA: But it’s not only the colours, the way I organised the forms is very specific to each tournament. The Australian Open is a kind of pool, so you have these blue reflection-like tones. The Roland Garros painting has little pieces and fragments, just like grains of sand. The Wimbledon painting is like an English garden, a labyrinth. And the US Open painting is back to colours and organised chaos, it’s very energetic. What is important to me is that my paintings are not illustrations of tennis courts. Perhaps you find a line and a little square and can use them as an access to understand the whole painting, but it’s not illustrative.
EL: Are you able to treat the tournament in Vienna in the same way? Or is it completely different and calls for another approach?
LA: It’s different. As I look at it as something on a screen, there is always this distance. Every tennis court is a new adventure. The Stadthalle is a beautiful place, it’s full of blue and grey and little touches of red. I don’t rank my emotions according to the various courts, every court is beautiful. In Cameroon, there is a tennis school for underprivileged kids called Oyebog Tennis Academy. There, they don’t just play on courts, but also paint lines onto the streets, it’s amazing. It’s the same as playing football with an empty coke can. It’s a mental matter, an attitude, it’s about making your personal heterotopia as Foucault calls it, you make your own space, your own house, a space where you feel good.
EL: Your own zen garden.
AG: And we won’t just mount the paintings on the wall but we’ll create an atmosphere here. This is why we just ordered a ball machine, which will be shooting branded tennis balls through the gallery. Everybody who comes and likes the show may take a tennis ball home as a souvenir. The sheer feeling of holding a tennis ball in your hands is just lovely.
LA: It’s about pleasure. I’m a French painter, and the history of modern painting knows Bonnard, Matisse, Léger, and many other French artists who turned to pleasure and beauty. I’m profoundly linked to this golden age of painting, of beauty, of light, of surfaces. For me, a painting has to convey a positive feeling. It’s like when you turn on a screen: you usually choose something that gives you great energy and perhaps changes your mind. It’s an exhibition about this pleasure.
EL: As a freelance curator for many years, I’m used to working with abandoned spaces, and you find several old tennis courts in Vienna’s backyards that are so beautiful.
LA: That’s true, we were talking about beautiful colors and beautiful things, but there is also this desolation of something old which is no longer useful. There are all these abandoned spaces, like bus stations in the middle of nowhere or old tennis courts. In my work, there is this chaos in which strong colours serve as a means of organisation, but all of the Grand Slam paintings share the same grey background that looks like something which is falling apart or disappearing. That was important to me, too, I used abrasive brushes to create the effect of something old which has been used, and I like this contrast. Tennis is not only about neon lights and clean things but also about chaos, deception, and the sadness that overcomes you when you lose points—and I use that. It’s not superficial. When I work, I start with a colour, a little piece of yellow, for example, and look which colour will be next. The painting grows like a composition, like some music, it’s connected to sound.
EL: Like a symphony or jazz piece that—starting with a certain rhythm, from a simple motif— condenses more and more. And like in jazz, you also improvise during the process. At the same time, you proceed like making a collage. You build up your works layer by layer. The colored shapes and the black lines take turns, overlap.
LA: You’re right, as I’ve mentioned, music plays a very important part in my work, I sometimes like to play it very loud, and it helps me not to think too much while I paint or draw and to get into a process where I’m not fully conscious—in tennis, when everything just flows and goes well, it’s called being in the zone. As regards the colourful paintings of the last year, I get this feeling of being in the zone. Whereas colour impacts the brain directly and can be experienced from far away, my lines are similar to writing and you have to be closer to the painting to properly take them in.
EL: You’ve only been working with colour for a few years. Before that, your works were black and white and exclusively drawn with a marker on a wide variety of supports. Are you more and more moving into the field of painting with paint and canvas? What role does drawing play for you?
LA: When I used to draw a lot, I thought more like an architect and about how things grow. The impact of colour is very intense, it’s about textures and materials, and since our world is so digitalised, I want to use it to add a material touch. I’m not giving up drawing, it’s still present, but it’s more hidden and provides the foundation for my current work while adding colour is more connected to all the dimensions of our world and is what makes life enjoyable.
English Version (Original)
Une conversation entre Laurent Ajina, Elsy Lahner (Conservateur pour l'art contemporain, Albertina) et Alexander Giese (Kunsthandel Giese and Schweiger).
L'exposition a lieu du 18 octobre 2021 au 6 novembre 2021 au Kunsthandel Giese und Schweiger (Akademiestraße 1A, 1010 Wien) en collaboration avec la Galerie Crone.
Elsy Lahner : Le tennis est un sport et une passion pour vous deux, mais même si je ne le pratique pas, j'ai aussi un lien avec lui. Je pense que c'est toute l'esthétique du tennis - je connais la balle depuis que je suis enfant et cela m'a toujours fasciné de voir comment elle se comporte, comment elle sonne et comment elle rebondit sur le sol. Je pense qu'il y a quelque chose de spécial dans toute cette expérience : comment les gens sont habillés, à quoi ressemble le court, etc. Cela a-t-il une influence sur votre travail ? La beauté du tennis est-elle peut-être aussi la raison pour laquelle vous avez commencé à jouer ?
Laurent Ajina : Eh bien, j'ai commencé le tennis contre un mur pendant presque trois ans. J'ai grandi dans un quartier de Paris sans club de tennis et j'ai joué exclusivement contre un énorme mur, de cinq à neuf ans environ, sans interruption. Cette routine de jouer contre moi-même n'a peut-être pas été le meilleur départ pour devenir un bon combattant sur le court car maintenant je ne joue pas seulement pour gagner. C'est vrai ce que vous avez dit à propos des vêtements, des sons et des couleurs, mais il y a aussi cet autre aspect du tennis : c'est un domaine d'expression très compétitif. C'est presque comme si vous étiez un gladiateur dans une arène qui doit gagner. Mais comme je l'ai dit, j'ai commencé à jouer tout seul et j'ai juste entendu le son de la balle qui rebondissait sur le mur, ce qui a instillé en moi un certain rapport à l'architecture, à l'espace, à la géométrie et au rythme. Aujourd'hui, j'ai un écran dans mon atelier qui diffuse en continu des matchs de tennis. J'aime avoir l'écran allumé. Suivre les matchs, c'est comme suivre le changement de saison : il y a des surfaces de couleurs différentes, du bleu indigo au rouge et au vert vif, ce qui fonctionne pour moi comme une sorte d'installation de couleurs. Et même si je ne regarde pas le match, il a une présence très forte en termes de couleurs et de sons.
Alexander Giese : Il faut dire que Laurent joue au tennis de manière très esthétique, son revers est tout simplement magnifique. Donc quand nous jouons ensemble, je préfère le regarder jouer son revers plutôt que de m'occuper de mon propre jeu.
LA : C'est une sorte de miroir : vous pouvez voir votre adversaire et vous êtes connectés par une certaine symétrie de mouvement. Mais c'est un miroir déformé, tu n'es jamais en contact direct avec ton adversaire, tu dois plutôt ressentir ce qu'il fait. Faire tourner cette petite boule jaune qui est comme le soleil et créer ainsi son propre espace a aussi une sorte de dimension cosmologique. Je joue beaucoup, comme Alexander. Nous jouons beaucoup, nous nous entraînons beaucoup, cela fait partie de notre équilibre, cela fait partie de notre vie.
AG : Le tennis est un Yin et le Yang, c'est un art pour nous deux.
EL : La balle de tennis elle-même est comme un Yin et un Yang, les deux côtés s'imbriquant comme dans le symbole, mais de façon tridimensionnelle.
AG : Le début de notre amitié, il y a quinze ans, était fortement ancré dans le tennis. Nous avons joué dans un petit club du Burgenland, et j'ai été très impressionné. Je pense que Laurent a été l'un de mes premiers adversaires internationaux. Et j'ai tout de suite ressenti l'enthousiasme que nous partagions.
LA : Je me souviens d'un réveillon que nous avons passé chez toi. Tu m'as dit que tu avais participé à un camp de tennis à la Bollettieri Tennis Academy en Floride, qui offre les meilleurs entraînements au monde. J'y étais également allé. Nous avons découvert que nous avions ce lien extraordinaire. Je rêvais de cette académie depuis de nombreuses années, et mon père m'a proposé d'y aller après avoir terminé mes études.
AG : En effet, mais Bollettieri n'a pas réussi à faire de nous des joueurs de tennis professionnels, ce qui nous a permis de nous diriger vers un autre domaine : les arts, où nous sommes également liés. Le fait que nous partagions également cette passion est ce qui a rendu les choses faciles pour nous deux dès le début.
EL : Comment est née l'idée d'un projet de coopération ?
AG : Je ne sais pas quand cela s'est produit. Nous avons maintenant ce nouvel espace à la galerie, avec des murs plus grands, et je pense qu'à un moment donné, nous nous sommes dit : "OK, essayons de faire quelque chose ensemble". Il était tout à fait clair que ce serait lié au tennis. Nous avons programmé notre exposition durant l'Erste Bank Open de Vienne qui se déroule à la Stadthalle vers la mi-octobre. Comme Laurent a étudié l'architecture et que la Stadthalle est un site architectural intéressant à Vienne, nous avons pensé que notre exposition devait être liée à ce tournoi. Il y a donc quatre tableaux liés aux tournois du Grand Chelem et un à l'Erste Bank Open. C'est le concept que nous avons développé lors de notre premier entretien, et nous nous y sommes tenus. Pour moi, c'est un rêve devenu réalité de pouvoir relier ces deux grandes passions de ma vie et de faire en sorte que le tennis soit présent sur le lieu où je travaille.
LA : Je me suis rendu compte ces dernières années que le tennis est lié à mon art. Cela n'a pas toujours été évident. Lorsque des problèmes de jambes m'empêchaient de m'entrainer, le terrain me manquait et j'ai donc loué un court de tennis juste pour m'y asseoir et lire, pour être là.
EL : Vraiment ? C'est magnifique.
LA : Oui, parfois je viens regarder Alexander s'entraîner. Je ne porte pas de vêtements de tennis, je viens juste m'asseoir et regarder.
EL : Je peux m'identifier à cela. Quand j'étais enfant, mon père avait un restaurant adjacent à une salle de tennis, et j'adorais m'asseoir là, regarder et écouter les gens jouer. Je n'ai jamais joué moi-même, mais je comprends pourquoi vous aimez vous asseoir sur un court.
LA : Il y a un mystère autour de la taille et des dimensions d'un court de tennis. Pour moi, un terrain de football est trop grand, alors qu'un court de tennis est tout simplement parfait. C'est comme une pièce, comme un endroit où l'on pourrait vivre, il a les proportions d'un appartement ou d'une maison. Bien que la télévision soit allumée sur des matches en continue dans mon studio, le court de tennis me manquait dans son aspect physique. C'est pourquoi j'ai loué un court pour m'y promener. Je me suis approché très près des lignes et j'ai regardé chaque détail dont on ne se rend pas compte quand on joue. J'en suis venu à voir le court comme un plan géométrique.
AG : Je peux aussi comprendre ce sentiment. Après avoir joué sur de la terre battue, le court est marqué en tout sens, vous passez le filet et vous vous assurez que les lignes brillent à nouveau. Pour certaines personnes, c'est juste quelque chose qui doit être fait, mais moi, j'aime prendre soin du terrain et lui redonner un bel aspect.
LA : Vous avez raison, un court de tennis est l'essence même d'un jardin zen : un jardin zen est fait de pierres, il n'y a pas de végétation, et vous en prenez soin avec cet outil en bois. C'est un moment d'introspection très particulier après chaque match que de déplacer le sable et de voir les lignes à nouveau nettes - nous faisons du jardinage en quelque sorte.
EL : Comment vos œuvres sont-elles liées au tennis ? Quel est le concept sous jacent ?
LA : Il y a un lien étroit entre la respiration, la liberté et le mouvement lorsque je travaille. En traçant sur un mur une ligne d'un mètre de long sur une échelle de cinq mètres de haut, j'éprouve la même sensation que lorsque je joue un revers sur le court. Mes peintures montrent des formes carrées ou rectangulaires reliées par des lignes per-pendiculaires et parallèles. Pour moi, les formes sont également liées aux appareils et à la façon dont nous interagissons constamment avec tous ces écrans sur les téléphones portables et autres. Dans mon grand chaos de lignes, j'aime ouvrir ces fenêtres qui sont des points focaux pour les yeux et me permettent d'introduire des émotions par la couleur. Les possibilités d'interaction avec les couleurs sont infinies, et les courts de tennis peuvent être colorés de vingt façons différentes. L'architecture des stades varie également. Chaque stade de tennis est une œuvre d'art - le court de l'Open d'Australie ressemble à une installation de James Turrell lorsque le toit est ouvert sur la nuit.
EL : Mais un amateur de tennis serait-il capable de faire la différence entre un tournoi et un autre en regardant simplement vos peintures sans voir les titres ? Reconnaîtrait-il simplement les couleurs ?
LA : Je pense que les aficionados le feraient. Il y a quatre tableaux, et chacun d'entre eux est spécial. Le site de l'Open d'Australie ressemble à une piscine bleue ou à un lagon. Je pense que c'est le stade le plus récent. Il a été construit comme une œuvre d'art, avec tous ses néons et ses publicités. Après cela, il y a les Internationaux de France au Stade Roland Garros, où l'on revient sur terre avec le sable rouge et tous ses morceaux fragmentés. Puis vous passez à Wimbledon, qui est un jardin anglais, sans publicité et avec uniquement des vêtements blancs. C'est minimaliste au plus haut point ; c'est beau et cela procure un sentiment très spécial à chaque joueur, je pense. Enfin, il y a l'US Open : il y a beaucoup de bruit, tout le monde parle, on sent l'odeur des hamburgers, les avions passent au-dessus, c'est très urbain - comme à New York, qui a été le berceau du hip hop et du street art, et ça se ressent sur le court.
AG : Je pense que si quelqu'un qui s'intéresse un peu au tennis voyait ces quatre tableaux dans un ordre aléatoire et qu'on lui demandait de les replacer dans l'ordre des tournois du Grand Chelem de l'année, il serait capable de le faire correctement. On ne le voit pas, parce que ça ne se dit pas, mais on le sent.
EL : Oui, c'est tout à fait logique comme vous venez de l'expliquer.
LA : Mais il n'y a pas que les couleurs, la façon dont j'ai organisé les formes est très spécifique à chaque tournoi. L'Open d'Australie est une sorte de piscine, donc vous avez ces tons bleus qui ressemblent à des reflets. Le tableau de Roland Garros comporte des petits morceaux et des fragments, comme des grains de sable. Le tableau de Wimbledon est comme un jardin anglais, un labyrinthe. Et le tableau de l'US Open revient aux couleurs et au chaos organisé, c'est très énergique. Ce qui est important pour moi, c'est que mes peintures ne soient pas des illustrations de courts de tennis. Vous pouvez peut-être trouver une ligne et un petit carré et les utiliser comme un accès pour comprendre l'ensemble du tableau, mais ce n'est pas une illustration.
EL : Pouvez-vous traiter le tournoi de Vienne de la même manière ? Ou bien est-il complètement différent et appelle-t-il une autre approche ?
LA : C'est différent. Comme je le regarde comme quelque chose sur un écran, il y a toujours cette distance. Chaque court de tennis est une nouvelle aventure. La Stadthalle est un endroit magnifique, c'est plein de bleu et de gris et de petites touches de rouge. Je ne classe pas mes émotions en fonction des différents courts, chaque court est beau. Au Cameroun, il existe une école de tennis pour les enfants défavorisés, l'Oyebog Tennis Academy. Là-bas, ils ne se contentent pas de jouer sur des courts, ils peignent aussi des lignes dans les rues, c'est incroyable. C'est la même chose que de jouer au football avec une canette de coca vide. C'est une question de mentalité, d'attitude, il s'agit de créer son hétérotopie personnelle, comme l'appelle Foucault, on crée son propre espace, sa propre maison, un espace où l'on se sent bien.
EL : Votre propre jardin zen.
AG : Et nous ne nous contenterons pas d'accrocher les tableaux au mur, mais nous créerons une scenographie ici. C'est pourquoi nous venons de commander une machine qui lancera des balles de tennis à travers la galerie. Tous ceux qui viendront et apprécieront l'exposition pourront ramener une balle de tennis chez eux en souvenir. La simple sensation de tenir une balle de tennis dans ses mains est tout simplement magnifique.
LA : C'est une question de plaisir. Je suis un peintre français, et l'histoire de la peinture moderne connaît Bonnard, Matisse, Léger, et bien d'autres artistes français qui se sont tournés vers le plaisir et la beauté. Je suis profondément lié à cet âge d'or de la peinture, de la beauté, de la lumière, des surfaces. Pour moi, un tableau doit transmettre un sentiment positif. C'est comme lorsque vous allumez un écran : vous choisissez généralement quelque chose qui vous donne une grande énergie et vous fait peut-être changer d'humeur. C'est une exposition sur ce plaisir.
EL : En tant que conservateur d’art depuis de nombreuses années, j'ai l'habitude de travailler avec des espaces abandonnés, et l'on trouve plusieurs anciens courts de tennis en périphérie de Vienne qui sont si beaux.
LA : C'est vrai, nous parlions de belles couleurs et de belles choses, mais il y a aussi cette désolation de quelque chose de vieux qui n'est plus utile. Il y a tous ces espaces abandonnés, comme les stations de bus au milieu de nulle part ou les vieux courts de tennis. Dans mon travail, il y a ce chaos dans lequel les couleurs fortes servent de moyen d'organisation, mais toutes les peintures du Grand Chelem partagent le même fond gris qui ressemble à quelque chose qui tombe en morceaux ou qui disparaît. C'était important, j'ai utilisé des pinceaux abrasifs pour créer l'effet de quelque chose de vieux qui a été utilisé, et j'aime ce contraste. Le tennis, ce n'est pas seulement des néons et des choses propres, c'est aussi le chaos, la déception et la tristesse qui vous envahit lorsque vous perdez des points. Ce n'est pas superficiel. Quand je travaille, je commence par une couleur, un petit morceau de jaune, par exemple, et je regarde quelle couleur sera la suivante. La peinture se développe comme une composition, comme une musique, elle est liée au son.
EL : Comme une symphonie ou un morceau de jazz qui, à partir d'un certain rythme, d'un motif simple, se condense de plus en plus. Et comme dans le jazz, vous improvisez également au cours du processus. En même temps, vous procédez comme pour faire un collage. Vous construisez vos œuvres couche par couche. Les formes colorées et les lignes noires se relaient, se chevauchent.
LA : Vous avez raison, comme je l'ai mentionné, la musique joue un rôle très important dans mon travail, j'aime parfois la jouer très fort, et cela m'aide à ne pas trop penser pendant que je peins ou dessine et à entrer dans un processus où je ne suis pas totalement conscient - au tennis, quand tout coule et se passe bien, on appelle cela être dans la zone. En ce qui concerne les peintures colorées de l'année dernière, j'ai ce sentiment d'être dans la zone. Alors que la couleur a un impact direct sur le cerveau et peut être ressentie de loin, mes lignes sont similaires à l'écriture et il faut être plus près du tableau pour bien les assimiler.
EL : Vous ne travaillez avec la couleur que depuis quelques années. Avant cela, vos œuvres étaient en noir et blanc et exclusivement dessinées au marqueur sur des supports très variés. Vous vous orientez de plus en plus vers le domaine de la peinture, avec de la peinture et de la toile ? Quel rôle joue le dessin pour vous ?
LA : Quand je dessinais beaucoup, je pensais plutôt à l'architecture et à la façon dont les choses poussent. L'impact de la couleur est très intense, il s'agit de textures et de matériaux, et comme notre monde est tellement numérisé, je veux l'utiliser pour ajouter une touche matérielle. Je n'abandonne pas le dessin, il est toujours présent, mais il est plus caché et constitue la base de mon travail actuel, tandis que l'ajout de la couleur est davantage lié à toutes les dimensions de notre monde et à ce qui rend la vie agréable.
French Version (Translation)
The conversation between Laurent Ajina, Elsy Lahner (Curator for Contemporary Art, Albertina) and Alexander Giese was held at Kunsthandel Giese & Schweiger on 06 September 2021 and is reproduced here in an abridged version.